In TENNEN KOKEKKO ist es das Ende der Sommerferien, bevor die Oberschule ihre Pforten öffnet, in LINDA LINDA LINDA müssen die Mädels rechtzeitig zum alljährlichen Schulfest ein Musikstück bühnenreif einstudieren. HANA NO FUKURO hingegen eiert so durch die Jahreszeiten, mal rechts, mal links: erste Sehnsucht, Schmetterlinge, trotzige Tränchen, heimlich weitergereichte Briefe im Klassenzimmer - kennt man alles, versteht man, dafür braucht man im Abi keine zweite Fremdsprache belegt haben. Und natürlich Kirschblüten soweit das Auge reicht. Und was im Frühling noch wichtig war, ist im Sommer bereits Schnee vom letzten Herbst: so rasch und unvermittelt, wie unsere jugendlichen Identifikationsfiguren ihre Vorlieben und Ansichten ändern, geht auch unser Interesse an den kleinen Dramen und Freuden des alltäglichen Lebens flöten. Und irgendwann ist es halt vorbei (hätte aber genausogut nochmal so lange weiterlaufen können - gewünscht hätten wir's uns nicht). Schön anzusehen ist das allemal; Toda weiß, daß er da auf Zelluloid filmt und nicht für die klaustrophobische Mattscheibe. Umso bedauerlicher, wenn uns dabei irgendwann die Äuglein zufallen und sanfter Schlummer weit hinfort treibt; immerhin ruhen wir wie auf Blumen gebettet, und das ist immer noch erholsamer, als aufrecht im Kinosessel wegzudösen ...

Während mit dem Video-Boom in den 80ern der Prozentsatz an gehaltvoller Pornographie allerorten zu einer rasanten Talfahrt ansetzte, hat Japan sich seit den 60ern bis zum heutigen Tage als letztes Land so etwas wie eine Porno-Kultur bewahrt, welche parallel zur eingleisigen AV(Adult-Video)-Schiene ihr Plätzchen hartnäckig verteidigt; auch wenn in den Pinku Eiga-Studios aufwendige 35mm-Produktionen mittlerweile ausgestorben sind und vom flexibleren Digital-Format abgelöst wurden, darf hier der Sexfilm noch Geschichten erzählen, darf subversiv sein, politisch, spannend, romantisch, witzig, ohne deswegen gleich mit dem prätentiösen Arthouse-Prädikat hausieren zu gehen.

Die Piranhas in Kishu Izuchis pinker Tragikomödie leben nicht lange; die gehören nämlich in Süßwasser-Gefilde. Ohne Zuckerguss, dafür umso pikanter geht's auf zwischenmenschlicher Ebene weiter: neben expliziten Einblicken in die Vorzüge weiblicher Anatomie kommt die Kamera den Protagonisten auch auf emotionaler Ebene näher. Und am Ende entpuppt sich mal wieder die Liebe als der hungrigste Raubfisch von allen ...

Nur was Charakterentwicklung angeht, besteht Nachhilfebedarf: Shinkais Frauenbild ist antiquiert, bedient Klischees; Mädchen sind schüchtern, zerbrechlich, müssen beschützt werden und erröten bei jeder Kleinigkeit, lassen lediglich bei haushälterischen Tätigkeiten Selbständigkeit durchblicken, während die Ghibli-Girls längst ihren eigenen Kopf haben dürfen und diesen auch entsprechend hoch tragen. Das Ergebnis ist eine absolut passive Heroine, die vom Regen in die Traufe stolpert und stets auf tapfere Männer angewiesen ist, die zu ihrer Rettung eilen (und dies auch tun) ... nur wenn wir uns Herausforderungen selber stellen, können wir daran wachsen, und keiner hat das besser verstanden als die herzensgute KIKI (nach wie vor mein ungeschlagener Ghibli-Favorit).

Die Vorlage von 1962 ist First Class-Material für einen, der gerne querschießt; Masaki Kobayashi wagte bereits damals, den Begriff von der unerschütterlichen Samurai-Ehre aufzuweichen und ein Szenario zu kreieren, welches den Zuschauer in seinem moralischen Urteilsvermögen zwischen die Stühle purzeln lässt. Miike hält sich in seinem Remake weitgehend an das Originalskript, der titelgebende rituelle Suizid sorgte beim Hamburg-Screening aufgrund seiner schonungslosen Darstellung für einige Walkouts (die Kamera scheint uns schier nicht erlösen zu wollen), danach nimmt er sich jedoch umso mehr Zeit, eindringlich darüber zu berichten, was einen bereits leidenden Menschen dazu antreibt, sich solch unirdischen Schmerz aufzubürden. HARA-KIRI gehört zu Miikes emotional involvierendsten Werken; ein bewegendes Period-Drama, welches gänzlich von der Darstellung seiner starken Charaktere lebt und auf ironische Brechung und Effektgewitter verzichtet. Am Ende löst er sich dann von der Vorlage und überrascht (statt einem generischen Showdown) mit einer Antiklimax, welche jedoch aus retrospektiver Warte betrachtet das Original an Wucht und Bedeutung noch übertrifft.

Nonsens mit Methode, oder die Kunst, mit einem kaum nennenswertem Budget trotzdem keine Kompromisse einzugehen. An Flucht ist nicht zu denken: GETAWAY fesselt uns mit Tempo, mutigen Darstellern und einem ausweglosen Szenario, bei dem wohl der Herr Möbius Pate gestanden hat. Infantil, subversiv, atemlos.

In seinem ersten Film hat Schauspieler Takeshi Irie zugleich die Hauptrolle übernommen. Als Veteran der Samurai-Schwertkunst und mit Schwarzgurt in Karate kann er sich ganz auf seine Physis verlassen, muß keine behelfsmäßigen Kompromisse eingehen; die Duelle sehen aus wie bei den Großen. Leider ist er dann beim Endschnitt doch in die Adobe Premiere Anfänger-Falle getappt, wenn er nämlich arg an Sättigungs-/Farbpaletten-Rädchen rumdreht und Szenenübergänge mit flashigen Überblend-Effekten zukleistert. Weniger wäre mehr gewesen. Am interessantesten ist in MINOMAN nämlich nicht die Form, sondern wie Irie die Grenzen zwischen den Welten zunehmend aufweicht: ist der Samurai nur ein Konstrukt in der Vorstellung des Losers Minoman, auf den dieser seine Vergeltungsphantasien projezieren kann, oder gar das feudale Japan die reale Ebene, und Minoman ein Dämon, der den tapferen Krieger ins Straucheln bringen will? Sympathisches Debüt, welches eine kleine goldene Idee in 53 Minuten auch nicht länger auswalzt als notwendig.

ABOUT THE PINK SKY ist einer von den raren Glückstreffern, die man zwischen zwischen Sono und Miike en passant mitnehmen wollte, und sich im Nachhinein als Highlight entpuppten. In seinem Heimatland hat die sensationell gespielte Coming of Age-Tragikomödie bereits Preise abgesahnt, von mir bekommt sie den ganz persönlichen Best of JFFH-Award. Ohne Soundtrack, in schwarz-weiß, aber mit talentierten Newcomern besetzt, begeistert der Indie-Flick durch peppige Dialoge und ausbalancierten emotionalen Content. ABOUT THE PINK SKY ist kein Film, bei dem jede Szene so lange wiederholt wird, bis Gesten und Worte exakt den Vorstellungen des Regisseurs genügen; Authentizität und Spontaneität sind die Zauberworte: in langen Einstellungen und noch längeren Tracking Shots tun die drei Mädels all das, was wir tun, wenn wir uns unbeobachtet fühlen: an der Nase kratzen, Grimassen ziehen oder sich dumm anstellen beim Schuhe zubinden. Dialoge sind witzig und temporeich, werden in Halbtotalen ausgespielt, und wenn eine Träne fließt, ist das mindestens so ansteckend wie ein herzliches Lachen.

Keiichi Kobayashis beeindruckendes Debüt lief in der Arthouse-Reihe, was ihn jedoch, trotz b/w-Cinematographie, nicht wichtiger oder (Gott behüte) "künstlerischer" (schreckliches Wort, sorry) macht als andere Filme, die einfach nur, so gut es geht, eine mitreißende Geschichte erzählen wollen. Wenn dann noch formale und technische Details überzeugen: Jackpot! ABOUT THE PINK SKY ist vielleicht nicht der farbenprächtigste Film des Festivals, und trotz beschwingter Erzählweise wirkt der Alltag von Izumi und ihren Freundinnen alles andere als rosarot (welcher Teenager würde das schon von seinem Leben behaupten ...), aber mit Sicherheit ein Kandidat für den kunterbuntesten.

So manche Notration Bier, welche in weiser Voraussicht an der Bar gekauft wurde, dürfte gar nicht mehr aufgemacht worden sein. Erwartungen nicht erfüllt. Zuwenig Action, kaum Blut, kein einziger Schlüpfer. Scheiße gelaufen. Guter Film.

Angeblich hat Takanori Tsujimoto für RED TEARS sich vom Hong Kong-Detective-Genre inspirieren lassen, dafür steht ihm jedoch eine flache Digitaloptik und kitschige Dialoge, welche so auch unredigiert aus einem Teen-Manga hätten übernommen werden können, im Wege. Und dann könnte man sich noch drüber aufregen, daß die Aufgabe des einzigen weiblichen Mitglieds der Crime-Unit lediglich darin besteht, ihre männlichen Kollegen mit Kaffee zu versorgen, während diese wie ungefickte Schuljungen sich gegenseitig anrüpeln und aufziehen. Genauso gut könnte man aber auch einfach den herrlich unbeschwerten, rasanten Crowd-Pleaser genießen, den Tsujimoto hier vom Stapel lässt. Yoshihiro Nishimuras blutige Handschrift ist unverkennbar, mit überkandideltem Folter-Splatsick á la HELLDRIVER hält man sich allerdings zurück (von einer offensichtlichen ICHI THE KILLER-Hommage abgesehen) und konzentriert sich stattdessen ganz auf rasante Vampire vs. Police-Duelle, zwischen denen sogar Platz für eine niedliche Romanze bleibt. Der campy Low Budget-Reißer punktet mit angesagten, attraktiven Gesichtern der jungen Pop-Celebrity-Szene, überrascht mit Choreographie und dynamischem Schnitt, und der exponentiell ansteigende Blutzoll sollte jedem noch so hungrig knurrenden Gore-Hund das Maul stopfen. Für den knapp 25-minütigen Showdown hat anscheinend Ryuhei Kitamura seinen Segen gegeben; hier besinnt man sich wehmütig alter Zeiten, als Filme wie VERSUS noch The hottest Shit on the Planet waren ...

Godzilla-Veteran Kazuki Omori nimmt die Leiden seiner Charaktere ernst, führt sie nicht vor, schöpft aber ungeniert aus dem komischen Potential und erzählerischer Dynamik, wenn verquere Ansichten und Lebensphilosophien aufeinandertreffen. Viel Geld braucht er für seine tragikomische Vision nicht, im Zusammenspiel werden die vielfältigen Macken zum Selbstläufer. Die beste Methode, uns zum Nachdenken zu bringen, ist uns lachen zu lassen - nur um uns dann den Spiegel vorzuhalten, daß wir da gerade über uns selbst gelacht haben.

Die Art von Film, in der man als US-Produktion Jennifer Aniston erwarten würde; die lacht aber zuviel. Glückliche Menschen sind langweilig und machen uns eifersüchtig. Filme wie MORE florieren erst bei konstanter Schlecht-Wetterfront und wenn jedes Problem vor laufender Kamera ausdiskutiert wurde; zwar vermag die Regie so einige ungefilterte, authentische Emotionen einzufangen, das prätentiöse Muster, nach dem Nichtigkeiten konsequent zu erderschütternden Dramen aufgebauscht werden, nervt aber irgendwann. Hin und wieder, selten genug, wenn die Regie den Schauplatz von beengten Räumlichkeiten an die frische Luft verlagert, das gesprochene Wort auf ein Minimum zurückfährt und stattdessen Bildern und Musik Raum bietet sich zu entfaltet, wird uns ein anderer Film angeteasert, den wir stattdessen lieber gesehen hätten. STRAWBERRY SHORTCAKES. Zum Beispiel (alles, außer einen Film mit Jennifer Aniston).

Ein schöner Auftakt (sogar als Weltpremiere) mit Luft nach oben; so muß das sein.